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英国作家丹尼尔·史诺曼（DanielSnowman）在他关于歌剧的著作《鎏金舞台》的开篇就写了一个故事，说年的一份《泰晤士报》上刊载了伦敦一位署名C.T.先生的来信，讲述了他某晚穿着“足以出入任何高级场所”的服饰到皇家意大利歌剧院观看意大利现代作曲家J·那波里的歌剧《马萨涅洛》，却被剧院以着装有问题为理由拒之门外，于是双方互相扯皮的事情。这个纠纷最后如何解决我们不得而知，但丹尼尔对此的总结是：“合适的装束、门票的价格、观众的举止、经理在围攻下表现出来的圆滑、采取法律途径的威胁手段等等构成了这个故事……歌剧不仅仅是一种艺术形式，它也是一种社会、政治和经济现象。”
”
BarbaraHannigan在歌剧《WrittenonSkin》中
歌剧，简而言之，就是主要或完全以歌唱和音乐来交代和表达剧情的戏剧。关于这个艺术形式的产生，音乐史学家通常认为有三个源头：一为希腊的悲剧；二为中世纪的宗教剧、神迹剧、田园剧；三为民间喜剧中的两幕之间配有音乐的戏剧，即幕间剧。这些剧目在上演时，往往有音乐作伴奏，都算得上歌剧的前身。
而真正的歌剧出现，是在年前后的意大利。据说年，在佛罗伦萨的贵族柯尔西的家里上演了第一部歌剧《达芙尼》（Dafne，现已失传）。这是意大利作曲家雅各布·佩里（JacopoPeri）和剧作家、诗人里努契尼的作品，当年轰动一时。音乐采用了一种单声部的、与歌词结合得相当紧密的朗诵式的歌唱（即后来所说的朗诵调），并允许演唱者自由处理；伴奏则以古钢琴为主，加上几件其它乐器伴以简单的和声。继《达芙尼》之后，佩里与里努契尼又在年，为法国国王亨利四世和玛利亚·德·梅迪契公主的婚礼创作了歌剧《尤丽迪茜》（Euridice），于佛罗伦萨皮提宫上演。这是历史上第一部公开上演的歌剧，也是现存最早的一部歌剧。
NadjaMichael年在伦敦皇家歌剧院沙龙的表演
此后歌剧这一精英艺术形式迅速从意大利风靡至欧洲各国。德国的海因里希·许茨（HeinrichSchütz）、法国的让-巴普蒂斯特·吕利（Jean-BaptisteLully）和英格兰的亨利·珀赛尔（HenryPurcell）分别在他们自己的国家，开创了17世纪歌剧的先河。
歌剧从一开始就是欧洲歌剧界的主流，直至德国作曲家格鲁克在18世纪60年代推出了“革新歌剧”，以对抗正歌剧的矫揉造作。而不过要说到那个时代的歌剧巨匠，非莫扎特莫属。莫札特以正歌剧起家，继而以意大利语喜歌剧变成了当时上流社会的流行偶像。他的《费加罗的婚礼》（LeNozzediFigaro）、《唐·乔望尼》（DonGiovanni，又译《唐璜》）和《女人皆如此》（Cosìfantutte,ossiaLascuoladegliamanti）都是万人空巷的作品。而他在去世当年创作的《魔笛》（MagicFlute）更是德语歌剧的教科书作品。
萨尔瓦多·达利（-89）的为年伦敦皇家歌剧院做的服装设计（角色：侍者）草图
沃尔夫冈·莫扎特（-）年的乐谱草图
19世纪在经历了初期的美声（belcanto）风格歌剧的高峰期之后，到中后叶，进入公认的歌剧黄金时期。比如德国的理查德·瓦格纳（WilhelmRichardWagner）和意大利的朱塞佩·威尔第（GiuseppeFortuninoFrancescoVerdi）都是当时的风头人物。
黄金时期过后的20世纪初，又出现了意大利的写实主义（verismo）和法国的当代歌剧。现代风格元素也常常在歌剧中得到尝试，比如奥地利作曲家阿诺德·勋伯格（ArnoldSchnberg）和阿尔班·贝尔格（AlbanMariaJohannesBerg）的无调性手法和十二音阶作曲法，还有以俄国作曲家伊戈尔·斯特拉文斯基为代表的新古典主义音乐和美国作曲家菲利普·格拉斯（PhilipMorrisGlass）和约翰·亚当斯（JohnCoolidgeAdams）的简约音乐。
威尼斯的视图，弗雷德里克·德维克（-）
今年9月30日至年2月25日，VA博物馆与皇家歌剧院就将呈上一出大展：“歌剧：激情、力量和政治”（Opera:Passion,PowerandPolitics），为观众讲述歌剧轰轰烈烈走过的这四百多年。
这个展览亦是VA博物馆的新展厅，平方米的地下无柱临时展览空间SainsburyGallery的开幕展。
展览的主要内容取材自当年在欧洲七座城市举行的七场歌剧首演，分别是：威尼斯——蒙特威尔第的《波佩亚的加冕》（L’incoronazionediPoppea，年）；伦敦——亨德尔的《里纳尔多》（Rinaldo,年）；维也纳——莫扎特的《费加罗的婚礼》（LenozzediFigaro，年）；米兰——威尔第的《纳布科》（Nabucco，年）；巴黎——瓦格纳的《唐怀瑟修订版》（Tannh?user，年）；德累斯顿——施特劳斯的《莎乐美》（Salome，年），以及圣彼得堡——肖斯塔科维奇的《姆钦斯科县的麦克白夫人》（LadyMacbethofMtsensk，年）。
《肖斯塔科维奇的第一交响曲》，年（油画，作者：帕维尔·尼古拉耶维奇）
观众们可以看到超过件珍贵资料，包括作曲家们当年的亲笔总谱、原始舞台指导、剧本、表演钢琴，以及各种古董演出服等等，其中《姆钦斯克的麦克白夫人》的一些原始材料是第一次在俄罗斯以外的地区亮相。除了各种实物资料以外，在展厅的中心舞台，观众们还可以通过耳机欣赏配以不同表演的歌剧音乐。皇家歌剧院合唱团也将利用展厅里的度环绕音响，担纲献上来自威尔第（GiuseppeVerdi）的作品《纳布科》（Nabucco）中著名的《希伯来奴隶大合唱》（Va,Pensiero，又名ChorusoftheHebrewSlaves）。
现已离任的皇家歌剧院总监KasperHolten相信这个展览能够对歌剧这一辉煌的艺术形式产生深远影响。他说：“如果你了解25年前人们对葡萄酒的谈论和现在有什么差别的话，这也是一样的道理，我觉得或许当下就是探讨歌剧发展最合适的时刻。”这个展览是他与VA博物馆的前任馆长MartinRoth于六年前的一次会面中诞生的构想。
EdouardManet画作《在杜乐丽花园的音乐会》，-62
他们对歌剧的认识与丹尼尔·史诺曼不谋而合，Holten认为这个展览不仅仅是关于歌剧本身，而是从歌剧的角度探索欧洲这年来的历史。
歌剧发展跟社会与政治从来都脱不开关系。17世纪的法国，中央集权达到顶峰，路易十四将全国优秀的艺术家集中到凡尔赛宫，为皇家生活锦上添花。于是这一时期歌剧风格主流便是迎合宫廷和贵族审美情趣，富丽堂皇的大场面屡见不鲜。而到19世纪中后期，欧洲各国掀起的民族解放和独立运动，在歌剧领域也表现无疑。最典型的事例包括法国作曲家奥柏（DanielFranoisEspritAuber）的《波尔蒂契的哑女》（LaMuettedePortici）在年点燃了比利时革命；而威尔第那首著名的《希伯来奴隶大合唱》更是被誉为意大利的第二国歌。
EvaGonzalès（-83）的画作《年的巴黎》
到了20世纪初，除了意大利法国德国等歌剧主流舞台，欧洲其他的边陲国家也开始有了自己的真正创作。随着西欧资本主义进步思潮的广泛传播和民主运动的蓬勃发展，这些国家的民族民主意识空前高涨，民族乐派作为浪漫主义的分支也悄然在音乐不够发达的东欧国家兴起。比如俄罗斯民族歌剧的创始人格林卡的歌剧《伊凡·苏萨宁》（IvanSusanin）是具有高度艺术水平的第一部俄罗斯歌剧。而此后的《鲍里斯·戈都诺夫》（BorisGodunov）、《金鸡》（TheGoldenCockerel）等作品把具有强烈民族色彩的俄国歌剧推向顶峰。而长期遭受异国奴役和统治的捷克人民，则拥有了斯美塔那（BedichSmetana）创作的《被出卖的新嫁娘》（Prodanánevěsta）这样透露出强烈爱国主义情绪的代表作品。
除了歌剧本身，就连歌剧院的设计也能反映出时代的变化。比如现代歌剧院的设计中已经鲜少出现“包厢”这种曾经为了突出社会阶级差异而诞生的元素了。并且你还会发现，如今歌剧表演的票价、海报设计，甚至对观众着装的要求也不再是从前高高在上的样子。
歌剧政治局ZKVKP（B）（全俄罗斯共产党中央委员会GustavKlutsis（-）海报
有人乐观，认为这是歌剧这一曾经的精英艺术形式正洗去铅华，趋于大众；有人悲观，直言这是歌剧的没落。
不过在KasperHolten看来，有观众才有未来。他说总有人觉得自己这辈子都与歌剧无关；一提到“歌剧”，脑子里浮现出的就是演员们在舞台上一遍遍地唱着“我爱你！”或者“我要死了！”他希望“歌剧：激情、力量和政治”这个展览能让更多的人了解歌剧，让他们知道这种艺术与我们的历史，我们的社会有着多么深刻的联系。“就算这些人一时半会儿还不会走进歌剧院，但能纠正他们的偏见，也是好事一件。”
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